Minutiae: tempo, respiro, elettricità nella magnetica opera di Fabio Anile

 Il compositore e pianista pubblica il suo nuovo disco con la britannica RareNoise. Collaborazioni di lusso (Keith Lowe, Agostino Marangolo, Stephan Thelen e tanti altri) in un lavoro suggestivo tra rock, minimalismo, avanguardia e melodia 

FABIO ANILE

MINUTIAE

(RareNoise Records 2026 | IDI GmbH)

8 tracce | 50.16 minuti

«Con Minutiae credo di aver raggiunto un punto di maturità nella mia espressione musicale. In questo lavoro convivono musica classica, minimalismo e rock, tutte forme musicali alle quali sono egualmente legato. In particolare, le composizioni si basano su un approccio ritmico tipico del minimalismo americano (ad es. Steve Reich) e delle sue più recenti evoluzioni, ma in questo approccio ho voluto integrare l'elemento melodico, che solitamente è assente nella musica minimalista. Credo di esserci riuscito».

Tra rock e avanguardia, tra melodia italiana, minimalismo americano e una profonda quanto antica riflessione sul tempo si muove Minutiae, il nuovo album di Fabio Anile, pubblicato dalla RareNoise Records in cd e vinile. Minutiae è un punto d'arrivo significativo per il musicista e compositore siciliano: il tempo, nelle sue molteplici dimensioni e nel suo rapporto con la forma e la pratica musicale, è da sempre il tema centrale della sua carriera quasi trentennale. Ed è proprio il caso di dire che questo disco arriva da lontano, poiché le radici della sua ricerca derivano dagli esperimenti di live looping e fields recordings condotti a metà degli anni ’90 con l’ensemble enoLogica, poi evolutisi in una più profonda esplorazione del tempo nelle sue declinazioni cicliche nella Looper’s Delight Community, in cui Anile si è distinto sia dal vivo che in studio, poi nel Chain-Tape Collective, per il quale ha diretto i progetti CT-Great Speeches e CT-Generative I e II. In queste e altre opere, il looping – con la sua ciclicità e dilatazione – per Anile è diventato uno strumento di indagine sul tempo, nel solco della migliore tradizione dell’ambient music. Grazie a questa attività che ha attraversato anche gli anni Duemila, il musicista ha incontrato tanti autorevoli colleghi che hanno segnato il suo percorso: pensiamo ad esempio a Bernhard Wagner, Stephan Thelen, Michael Peters, Jon Durant. Questa rete così fitta di partnership dal vivo e in sala d'incisione ha preparato il terreno per Minutiae, il primo lavoro di Anile con la britannica RareNoise. 

«Queste composizioni sono nate dalla pratica di un piccolo strumento ghanese che si chiama Thelevi o anche Kashaka, Asalato, Asratoa e che mi fu regalato da Bernhard Wagner dei Sonar nel 2009. Sono due shakers legati tra loro con una cordicella che permettono di realizzare – con le due mani – complessi poliritmi. Ad un certo punto della mia pratica ho "tradotto" quei ritmi in note musicali e da lì sono nate le tessiture ritmiche di Minutiae». Come si evince dal titolo, Minutiae è un’opera costruita a partire da un nucleo ritmico minimale che funge da elemento generatore di strutture complesse: c'è una certa continuità con la tradizione minimalista americana, ma ciò che lo rende ancor più interessante è la profonda sensibilità melodica e armonica di Anile, che dà nuovo slancio alla texture minimalista.

Accanto alla dimensione del tempo, un respiro grazie al quale il disco si espande brano dopo brano, sconfinando sempre di più in territori elettrici, Minutiae si caratterizza per la continuità con lo spirito partecipato delle collaborazioni internazionali. Alcune composizioni come Dance (già realizzata in una versione per strumenti a percussione intonati con il Mannheimer Schlagwerk, diretto dal Maestro Dennis Kuhn) o Shifting Trains (la cui linea di basso in 11/8 è confluita in Ladder to the Stars di Stephan Thelen) testimoniano il carattere organico e interconnesso del suo linguaggio musicale. Altri brani, come Compás – omaggio all’unità ritmica della musica flamenca – o Foglie Morte e More Than 12 offrono un quadro completo della poetica di Anile, arricchita dai contributi di figure del calibro di Keith Lowe, Agostino Marangolo, Stephan Thelen, Bernhard Wagner, Jon Durant, Samuel Hällkvist, Michael Peters e Fabio Trentini.

La lunga gestazione, durata oltre dieci anni, riflette la cura e la pazienza con cui Fabio Anile ha raffinato ciascun brano, fino a raggiungere la forma definitiva. Minutiae rappresenta un punto di svolta nella sua carriera: un’opera agile, elegante e rigorosa, che sintetizza la sua riflessione sul tempo nelle sue molteplici declinazioni poliritmiche, unita a una profonda padronanza melodica e armonica. Una testimonianza matura e luminosa della sua arte.

Minutiae: 

1. Compás

2. Dance

3. Foglie Morte

4. Mysterious Counterpoint

5. More Than 12

6. Planet Nine (Orbits)

7. Shifting Trains

Fabio Anile: Piano, Fender Rhodes V8, sampled marimba, el. guitar, thelevi, shakers.

Keith Lowe: Double Bass (1, 2, 3, 4, 5)

Agostino Marangolo: Drums (1, 2, 4, 5, 7)

with

Samuel Hällkvist: El. Guitar (6)

Michael Peters: El. Guitar solo (5)

Stephan Thelen: El. Guitar (7)

Bernhard Wagner: El. Guitar (7)

Jon Durant: El. Guitar, Cloud guitar (7)

Fabio Trentini: El. Bass (7)

Minutiae: 

https://fabioanile.bandcamp.com/album/minutiae-3  

RareNoise: 

https://www.rarenoiserecords.com/artists/fabio-anile/ 

La Messa dei Popoli: prima assoluta a Teramo!

Giovedì 11 dicembre alla Chiesa di San Domenico una suggestiva e ambiziosa operazione musicale e culturale: la composizione di Toni Fidanza tra sacro e moderno, una produzione del Conservatorio Braga con il coinvolgimento di maestri e studenti

Giovedì 11 Dicembre 2025

ore 21:00

Chiesa di San Domenico

Corso Porta Romana

Teramo

PRIMA ASSOLUTA MESSA DEI POPOLI

composta e diretta da Toni Fidanza

per orchestra ritmico sinfonica, coro femminile, coro di voci bianche, 

2 voci soliste, campane tibetane, cristalli, sitar e oud

ingresso libero

Giovedì 11 dicembre, nella Chiesa di S. Domenico a Teramo, si terrà la prima assoluta della Messa dei Popoli, composta e diretta da Toni Fidanza. Un appuntamento speciale con una produzione del Conservatorio “G. Braga” di Teramo, fortemente voluta dal Direttore, il Maestro Federico Paci, che vede protagonisti i Maestri dei diversi dipartimenti del Conservatorio, dal Dipartimento Jazz/Pop Rock al Dipartimento di archi, dal Dipartimento di fiati al Dipartimento di canto, ai cori diretti dal Maestro Paolo Speca (coro femminile) e dalla Prof.ssa Letizia Scaringella (coro voci bianche). 

La Messa dei Popoli vuole rappresentare la diversità dei popoli, delle religioni, delle culture, il tutto riunito in una sola opera che attinge dal passato ma guarda al futuro. Una vera e propria sfida, dichiara il compositore Toni Fidanza, docente di ruolo di pianoforte jazz e Capo Dipartimento Jazz/ Pop Rock presso il Conservatorio Braga: «La proposta del maestro Federico Paci mi aveva lasciato perplesso perché per la prima volta mi si chiedeva di scrivere una Messa sacra che esprimesse, attraverso una "fusion" multistilistica, la multirazzialità. Non nascondo che alcune volte mi sono quasi pentito di aver accettato perché mi sono trovato ad affrontare uno sforzo compositivo che finora non avevo mai trattato, in considerazione anche del fatto che mi si è chiesto di scrivere una Messa con melodie cantabili ma non scontate. Ho dovuto scavare molto dentro di me per trovare l’ispirazione funzionale a una Messa sacra, vivendo una sorta di viaggio mistico spirituale e conducendo una vita pressochè ascetica ma molto arricchente. Non a caso la stesura della composizione, compresi gli arrangiamenti e la metrica dei testi, è durata circa un anno, un’operazione laboriosa grazie alla quale posso dire che per certi versi scrivere una Messa può rappresentare una pietra miliare per qualsiasi compositore». 

La Messa dei Popoli ha delle peculiarità che sorprenderanno il pubblico, poichè contiene testi sacri in stile moderno, è eseguita con una orchestra sinfonica affiancata da una nutrita sezione ritmica e la produzione totalmente a cura del Conservatorio Braga che affianca Maestri e studenti, coinvolgendo anche un coro femminile e un coro di voci bianche. La composizione prende spunto dalle parti della Messa classica (Kyrie, Gloria etc.) con testi in latino ma è stata completamente riletta in chiave moderna, unendo strumenti classici, tradizionali e moderni: spazia dal classicheggiante Kyrie alla tribale pulsazione del tempo 5/4 del Gloria, dalla classica forma canzone americana dell’Alleluia ritmicamente basata però dalla bossa nova, all’Alleluia (strumentale) sotto forma di tango argentino, fino ad arrivare al Sanctus e all’Agnus Dei, nei quali risulta più evidente la commistione tra generi, melodie classicheggianti e talvolta modali che si intrecciano a ritmi ed armonie che si rifanno al prog-rock anni ‘70 e più velatamente al Jazz. 

Un'operazione ambiziosa che rivela un'intenzione culturale e umanitaria di grande sensibilità, sottolinea Fidanza: «La Messa dei Popoli invoca la pace, promuove l’unione dei popoli, delle religioni, delle diverse culture, delle diverse etnie e tradizioni riunendole in una fusion musicale che dimostra come una commistione dei generi possa essere a tutto vantaggio della musica stessa. Allo stesso modo sono sicuro che la commistione tra le genti e le loro diverse culture possa essere il futuro di un mondo senza confini e senza eserciti. Tutto ciò testimonia come l’arte, e in questo caso la musica, possa raccogliere e veicolare la diversità dei popoli ma unendoli attraverso la sua capacità di esprimere e suscitare emozioni comuni che trascendono le differenze culturali, religiose e linguistiche, rendendola universale per la comunicazione emotiva».

I solisti dell’orchestra:

cantanti Alessia Martegiani, Simona Capozucco, Linda Valori;

Clarinetto e clarinetto basso Federico Paci;

Pianoforte Tatjana Vratonjic;

Sax Fabrizio Mandolini;

Fisarmonica Renzo Ruggieri;

Chitarra Andrea Molinari;

Batteria Davide Ciarallo;

Percussioni Niki Barulli;

Violoncello Alberto Casadei;

Campane tibetane e cristalli Fabio Bonomo;

Sitar e oud Gionni Di Clemente.

https://www.conservatoriobraga.it/events.asp?id=211 

Musica Spontanea: l'avventura tra voce e suono di Alan Bedin - Dal 23 maggio

Paolo Tofani, Saverio Tasca, Edoardo Piccolo e Roberto Floreani partecipano all'operazione di Artis e Cramps partita da un omaggio a Demetrio Stratos e diventata una nuova ipotesi di musica d'insieme, un rito di evocazione sonora. Edizione in vinile da collezione e cd jewel box con la cover per sola voce di 'Giro, giro tondo' degli Area

Alan Bedin

MUSICA SPONTANEA

Omaggio a Demetrio Stratos

(Artis Records | Cramps Music)

CD RTSCD0124

LP RTSVN0124

©&(P) 2024 Artis Records by Cramps Music srl

Ed. Musicali: Cramps Music srl 

«In questo dialogo musicale non faccio quasi mai uso di un linguaggio condizionato dalla logica (lettura asservita allo scritto). E nei casi in cui lo utilizzo è impossibile farmi capire. Ecco perché uso l'onomatopea: per convogliare il gesto nel suono. La materia e il corpo parlano tra loro e risuonano: l’uno eccita l’altro e viceversa in una forma di comunicazione tanto tecnologica, quanto primitiva. Esprimere le mie idee attraverso il materiale concreto è archetipo, origine». 

Artis Records è lieta di presentare Musica Spontanea - Omaggio a Demetrio Stratos, il nuovo lavoro di Alan Bedin, trasversale compositore e interprete dedito al canto moderno contemporaneo, alla ricerca nella musica vocale sperimentale e nella poesia sonora. Musica Spontanea, che si connette direttamente agli esperimenti storici della Cramps di Gianni Sassi, è un'opera di Nuova Musica originariamente commissionata da un'etichetta giapponese come omaggio a Demetrio Stratos, ma successivamente il progetto si è evoluto in un autentico manifesto grazie alla collaborazione con il sound designer Edoardo Piccolo. Il suono puro della voce, in un audace processo di registrazione orientato alla elaborazione innovativa del suono, si è integrato con una sintesi e una lavorazione elettronica, dando vita a un'esperienza senza precedenti.

Alan Bedin è passato dall'improvvisazione alla poesia sonora elaborata elettronicamente, fino a definire una "Nuova Musica" d'insieme dal respiro internazionale. Per un'operazione del genere, Alan ha coinvolto due giganti: Paolo Tofani, storica chitarra visionaria degli Area, e Saverio Tasca, vibrafonista di fama internazionale e membro storico degli Opus Avantra. Così ha preso forma Musica Spontanea, che ha trovato la sua collocazione ideale in Artis Records, label coordinata  dal compositore Alfredo Tisocco, da sempre attenta al connubio tra Avanguardia e Tradizione e alla Musica Totale. L'album è pubblicato in vinile da collezione e cd jewel box, (quest'ultimo contiene una traccia fantasma, la cover solo voce di Giro, giro, tondo degli Area), supporti ideali per godere del tassello finale: la copertina è un'opera dell’astrattista Roberto Floreani, artista dell’anno 2024, tratta dal suo progetto espositivo site-specific Soglie: Tempo del prima – Tempo del poi. Soglie visive, soglie musicali, soglie sonore per un'operazione totale. 

Per la realizzazione tecnica della registrazione allo studio Colosso Room di Camposampiero Edoardo Piccolo ha predisposto tre differenti spazi acustici: una sala dedicata alla registrazione “dry” della voce, una al vibrafono e alla trikanta veena, una, la “stanza del suono”, con tre lastre a semicerchio e una grancassa sulle quali ha montato dei trasduttori, diffusori che per contatto trasmettono vibrazioni alla superficie sulla quale sono installati. I materiali da questi perturbati diffondono il suono nella stanza non nella maniera lineare e puntiforme tipica dei diffusori tradizionali, ma lungo tutta la loro superficie, sfruttando così i modi di risonanza e le caratteristiche fisiche dei materiali (dimensioni, spessore, elasticità). L'elaborazione del suono è avvenuta in tempo reale durante la registrazione. Sono state utilizzate numerose tecniche (da linee di ritardo lunghe a harmonizer e sequencer). La “stanza del suono” è stata virtualizzata in modo da poter collocare e spostare in tempo reale la spazializzazione delle varie elaborazioni attraverso un panpot bidimensionale posizionato su ogni canale. La percezione di spazio acustico è stata realizzata senza l’utilizzo di alcuna riverberazione artificiale aggiuntiva.

Come ha scritto lo storico della musica Renzo Cresti nella presentazione dell’opera, «I punti di riferimento principali al nuovo lavoro di Alan Bedin sono basati sul concetto di liberazione. Molte sarebbero le dinamiche da aggiungere, come quelle che fanno capo a John Cage, a Walter Marchetti, Juan Hidalgo (Gruppo Zaj), alla Cramps Records, al Gruppo Fluxus, all’elettronica incolta, a Paolo Castaldi (col suo solfeggio parlato), David Tudor, Alvin Lucier, Luigi Nono, alla performance improvvisativa, all’happening, alla musica indiana e a molto altro. Il tutto ben metabolizzato e incarnato, per fare un passo oltre.  Musica spontanea più che un concetto è una prassi che vuol realizzare un approccio al suono diretto, immediato e impulsivo, che non parte da elementi pre-costituiti, come per esempio gli standard nel jazz, ma celebra il suono con una sorta di rito di evocazione».

Musica Spontanea:

Lato A: 

1. Caronte - voce ingressiva 1° movimento

2. Pendulum - voce perpetua

3. Pulsionale - voce simpatetica

4. My Mind - alāp

5. Segmenti - prime incisioni su lastra

Lato B:

1. CONES VIARION TA - poesia sonora 

2. LA PIETRA DEL MAESTRO - ricordando Pinuccio Sciola 

3. ZEPPELIN LZ-129 - Paroliberismo con partitura a fumetti

4. SPONTANEUS - trikanta veena suite

5. LE ANIME DI CARONTE - voce ingressiva 2° movimento

Alan Bedin: voce

Edoardo Piccolo: elaborazione del suono e sintesi

Paolo Tofani: Trikanta Veena acustica e sperimentale, elettronica

Saverio Tasca: vibrafono, percussioni

Roberto Floreani: copertina 

Consulenza artistica: Alfredo Tisocco 

Prefazione di Renzo Cresti

Coord. scientifico: Dott.ssa Giovanna Baracca

Coord. Artistico performativo: Lorenzo Pagliei

Alan Bedin:

http://www.alanbedin.com 

Musica Spontanea:

https://www.facebook.com/profile.php?id=61574053839108 

Artis Records: 

https://www.artisrecords.it/  

Mercoledì 21 maggio: Max Fuschetto in concerto a Napoli!

 Mercoledì 21 maggio in Auditorium Novecento la presentazione del nuovo album 'Sniper Alley - To My Brother'. Dal docufilm presentato al Sarajevo Film Festival al quinto disco dell'eclettico compositore, sempre in bilico tra colto e popular: nove brani visionari e dalle diverse prospettive d'ascolto, da Van Gogh a Nick Drake

Mercoledì 21 maggio 2025

ore 20.30

Auditorium Novecento 

Via E. De Marinis 4

Napoli

SNIPER ALLEY - TO MY BROTHER:

MAX FUSCHETTO IN CONCERTO

Biglietto 2 euro 

Mercoledì 21 maggio alle 20.30 in Auditorium Novecento (Via De Marinis 4, Napoli) un importante appuntamento per la nuova musica contemporanea, italiana ma dal respiro internazionale: il primo concerto di Max Fuschetto incentrato sul nuovissimo album Sniper Alley - To My Brother, pubblicato dall'etichetta modern-classical NovAntiqua. L'ensemble del compositore campano sarà arricchito dal compositore e cantante Cosimo Morleo, saranno presenti Cristiana Grilli e Francesco Toscani, coautori del docufilm Sniper Alley-To My Brother, di cui proietteranno un estratto. Presentato in anteprima alla 30ma Edizione del Sarajevo Film Festival, Sniper Alley è stato il punto di partenza per questo nuovo lavoro di Max Fuschetto: Grilli e Toscani lo hanno invitato a realizzare delle musiche per il film e lui, sempre disponibile a nuove sfide compositive e colpito dalla storia di Džemil Hodžić, ha evitato una colonna sonora lavorando all'idea di un paesaggio sonoro indipendente. È nato così Sniper Alley - To My Brother.

In questo quinto album l'eclettico compositore – una delle figure più intriganti del panorama contemporaneo, sempre in movimento nel dialogo tra colto e popular, tra musica e altre aree artistiche – ha seguito ancora una volta un itinerario nuovo. Sniper Alley racconta la storia di Džemil Hodžić e del suo progetto per preservare la memoria fotografica dell'assedio di Sarajevo (1992-1996). Attraverso la tragedia personale di Džemil, che assiste alla morte del fratello sedicenne Amel per mano di un cecchino, il film esplora l'infanzia interrotta dalla guerra e la capacità dell'arte di trasformare il dolore in memoria e resistenza. Fuschetto ha composto i nove brani prendendo ad esempio la pittura di Van Gogh o Francis Bacon, come lui stesso ricorda: «In L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet di Van Gogh, attraverso una tensione delle linee, data da veloci pennellate che spingono verso l'esterno o creano vortici interni, l'edificio e il contesto circostante ne risulta stranamente deformato e questo, nell'insieme, crea una visione ipnotica, psichedelica, surreale, modernissima. Oppure la pittura di Francis Bacon che ha indagato nuovi rapporti tra le figure e il resto del quadro: isolamento, inglobamento quasi mimetico in cui il confine tra figura e sfondo diventa effimero, nessuna relazione esplicita tra le figure in primo piano, a cui spesso mancano anche i connotati, come il viso – così da rendere ambiguo anche il concetto stesso di figura. Sniper Alley è anche questo: un continuo deformare e frammentare, far perdere i connotati alla materia sonora; Sniper Alley consegna alla mia scrittura la rinascita attraverso l'esperienza del dolore insieme al colore della speranza».

Come sempre i lavori di Max Fuschetto sono caratterizzati dalla complessità del paesaggio sonoro, dalla compresenza di diversi piani d'ascolto, da differenti prospettive che si incrociano per la ricchezza degli spunti, non solo prettamente musicali ma anche letterari e artistici (come No Man Is An Island, nata dalla celebre poesia di John Donne), con le composizioni che si specchiano tra di loro (ad es. The Good Morrow, un arrangiamento vocale del corale di Opalescent Pendulum su testo ancora di Donne). In omaggio alla perpetua sperimentazione e alla ricerca del nuovo, stavolta Fuschetto ha suonato anche altri strumenti: accanto al fedele oboe e al sax soprano, chitarra, basso e tastiere sono opera sua. Come di consueto è stato regista di un’operazione collettiva, con la presenza di musicisti quali ad esempio Enzo Oliva e Cosimo Morleo, assidui collaboratori sia in studio che dal vivo. 

Se nel precedente album Fuschetto ha omaggiato il genio melodico di Lucio Battisti, stavolta in L'Escalier De Drake il pensiero è andato a Nick Drake, spirito guida di un gesto creativo sorprendente per lo stesso autore: «Mentre sperimentavo melodia e armonia ho ricevuto improvvisamente in dono una guida: molti anni fa avevamo suonato dal vivo Cello Song di Nick Drake di cui però ricordavo solo qualcosa di indefinito. Proust ci insegna che nell'atto creativo una memoria imperfetta può essere molto più potente nei risultati di una più precisa nei dettagli. In realtà quella illuminazione rappresentava una sorta di madeleine; toccando dei suoni affiorava qualcosa, una direzione. Ho seguito questo qualcosa e ne è nata la parte B di L'Escalier de Drake. Per curiosità, dopo qualche giorno, ho ascoltato Cello Song e naturalmente non c'entrava nulla, ma lo spirito di Nick Drake, in una forma trasfigurata, era e sarà sempre lì, in quelle note, in quei suoni, nella semplice scala pentatonica con cui è costruita quella seconda parte, ripetuta, con una sottile variazione; un'eco di eternità che attraversa le cose, il mondo e ogni tanto arriva a toccarci».

Max Fuschetto:

http://www.maxfuschettomusic.com  

NovAntiqua Records: 

http://www.novantiqua.net  

La morte ha fatto l'uovo di Bruno Maderna per la prima volta in vinile!

 Nuovo titolo per la nuova collana 'Hidden Gems' di AMS e Cinevox: la colonna sonora del film del 1968 di Giulio Questi con Gina Lollobrigida e Jean-Louis Trintignant. Un giallo anomalo con musiche d'avanguardia del grande compositore in un 33 giri in tiratura limitata arancione

BRUNO MADERNA

La Morte ha fatto l'Uovo OST 

(Vinile arancione + inserto 30x30cm)

AMS Records-Cinevox | BTF Vinyl Magic

Nuova colonna sonora, nuova uscita della collana Hidden Gems di Cinevox Records e AMS Records, dedicata ai tesori nascosti del cinema italiano. Stavolta tocca alle musiche di La Morte Ha Fatto l’Uovo di Giulio Questi, film del 1968 con la colonna sonora di una delle figure più autorevoli del Novecento italiano, il compositore Bruno Maderna (1920–1973). E' la primissima volta che questa colonna sonora viene ristampata in vinile (vinile arancione + inserto 30x30cm, audio remasterizzato da Claudio Fuiano), è uno score unico nel suo genere, caratterizzato da sonorità avanguardistiche che si sposano alle tonalità anni '60 di un thriller atipico che omaggia il cinema di Luis Buñuel.

La Morte Ha Fatto L’Uovo (Death Laid an Egg) è un giallo del 1968 diretto da Giulio Questi, con un cast di respiro internazionale i cui principali nomi sono Ewa Aulin, Gina Lollobrigida e Jean-Louis Trintignant: una pellicola sui generis con una fotografia dai toni caldi e sgargianti, in contrasto con le atmosfere e la trama cupe e tenebrose. La colonna sonora composta e diretta da Bruno Maderna è ancor più distante dalle sonorità dell’epoca e di quasi tutte le opere analoghe di quegli anni: nessuna traccia di beat o psichedelia infatti, ma una raccolta di composizioni astratte e dissonanti, che potremmo definire avanguardistiche ed in parte associare a certi esperimenti di una formazione attiva in quegli stessi anni, il Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza, ma anche al lato più sperimentale del genere library music. Tutti i brani sono stati realizzati con il solo ausilio di archi, chitarra acustica, pianoforte e spoken word. 

Copertina 350gsm, vinile colorato 140gr, busta intera nera, edizione ultra limitata, elegante adesivo con in sfondo un diamante - in evidenza il logo Cinevox - nobilitato argento.

Tracklist:

Lato A:

1.Guaiaba 3:17

2.Reflection In The Night 3:00

3.Moment 0:21

4.Sigma Alpha 2:12

5.Down Down Down 2:30

6.Musical Line 2:27

7.Testament Of Revolt 3:42

Lato B:

1.Conversation 1:44

2.Sex Revolution On Campus 2:07

3.Speaking Of Silence 7:56

4.Comedy In Music 1:42

5.Catching 2:34

6.Guaiaba 3:09

AMS Records: 

https://ams-music.it/wp/bruno-maderna-la-morte-ha-fatto-luovo-ost-vinile-arancione-inserto-30x30cm/ 

BTF: 

https://btf.it/prodotto/bruno-maderna-la-morte-ha-fatto-luovo-ost-lp  

Racconti dalla fine del mondo: il nuovo album di Valerio Daniele

 Tra composizioni e improvvisazioni, acustica ed elettronica, le 'levitazioni sonore tra Natura e Rovina' del musicista pugliese. Le riflessioni sulla Xylella diventano musica del nuovo millennio, con sorprendenti risvolti artistici  

VALERIO DANIELE

Racconti dalla fine del mondo

levitazioni sonore tra Natura e Rovina

Desuonatori 

(BandCamp - 13 tracce - 41.28 min.)

«Oggi il Salento è quasi desertificato. Appena ieri era un territorio verde, ricco, onnipotente. È un colpo al cuore e lo vivo ogni giorno, uscendo di casa. Questo sentimento mi ha condizionato aggiungendo un ulteriore strato urgente, reale alle mie peregrinazioni visionarie sul concetto di Rovina. Questo disco è una trama intrecciata tra la memoria della natura, il mio legame vitale con essa, e le mie visioni sul futuro, su quella sottile, fragile bellezza che emana dal senso stesso della Rovina e del dis/astro. Questa ambiguità si riflette nella musica e nel suono: sono affascinato dall’idea della costruzione di un’estetica del brutto, del guasto, del lo-fi, in armonica convivenza con elementi di connotazione decisamente acustica ed hi-fi».

Quando un artista riesce a far combaciare il proprio spirito visionario con uno sguardo attento e partecipe sulla realtà e sulla storia, allora il risultato è sempre affascinante. Valerio Daniele, musicista sensibile, curioso e accorto, è partito da una riflessione incrociata tra decadenza ambientale del suo Salento e quella del mercato musicale contemporaneo, approdando dopo tre anni di lavoro a Racconti dalla fine del mondo: «una visione, una proiezione immaginale, in cui passato e futuro sono intimamente connessi. Natura e mutazioni, memoria e intuizione convivono integrandosi in un tessuto sonoro che si fa evocativo, imprevisto, a volte bizzarro». Un album poetico, immaginifico, che procede attraverso un suono spesso ruvido e corrotto, la cui centralità è data dalle dicotomie e dalla circolarità degli spunti. Una sorta di eterno ritorno tra riflessioni, composizioni e suono. 

Il Salento funestato dalla Xylella diventa il simbolo della condizione dell’intero pianeta, fra ulivi secolari abbandonati alla loro fine e memoria ancora pulsante di un passato in cui la natura nel tacco d’Italia era vivida, liquida, quasi onnipotente. È il punto di partenza per una elaborazione sonora diventata album: tredici brani lavorati tra il 2019 e il 2022, una selezione di improvvisazioni e composizioni tra l’acustica e le musiche di ricerca e di confine per chitarra elettrica baritona e elettronica modulare. 

Interamente composto, suonato e prodotto da Valerio Daniele, registrato, missato e masterizzato ai Chôra Studi Musicali di Monteroni (LE), Racconti dalla fine del mondo esce in formato fisico e digitale solo via BandCamp, a voler sottolineare ancora una volta l'idea "politica" del gesto musicale: «BandCamp è l’unica piattaforma attuale che ha dimostrato di gestire in modo sano, umano e misurato il rapporto con gli artisti e i musicisti. Credo che fare un disco ai giorni nostri sia un’azione poco sensata, quanto in un certo senso rivoluzionaria. È cambiato non solo il mercato ma soprattutto il senso che la musica ha per la società e per le comunità. In questi nuovi scenari fare un disco in senso tradizionale è un gesto fuori moda e quasi insensato. Il disco inteso come opera completa, integrata, sistemica e uniforme ha lasciato il posto a un sistema in cui i singoli brani sono pubblicati con costanza e, troppo spesso, presto dimenticati. Si farebbe presto a riconoscere in questa tendenza una forma ancor più radicata di consumismo ma questo pensiero potrebbe essere superficiale. Credo che il rapporto fra la musica e la società sia destinato a cambiare continuamente. Era già successo tante volte nella storia, soprattutto nel 900, e sta succedendo ancora».

Questa levitazione sonora è stata scelta come colonna sonora per il film Il tempo dei giganti di Davide Barletti e Lorenzo Conte, quasi un volano per restituire in musica gli ultimi dieci anni della terra salentina ormai desertificata. A ulteriore completamento del dialogo tra la musica di Valerio Daniele e altre forme d'arte, nel libretto interno, sono presenti sette opere di Daniele Coricciati, Ilaria Seclì, Egidio Marullo, Walter Forestiere, Valentina Sansò, Maria Teresa De Palma e Davide Barletti e Lorenzo Conte: artisti dai linguaggi differenti (grafica, poesia, pittura, cinema) ma in profonda connessione col tema e l'autore. E anche con lo spirito di Desuonatori, un collettivo di musicisti «che hanno scelto la via dell’autoproduzione per rendersi indipendenti da certi automatismi del mercato e per riappropriarsi di ogni fase della filiera del processo produttivo. Il nocciolo di tutto è ricercare un rapporto sano, realmente comunicativo col pubblico, riavvicinare la musica e le persone, indipendentemente dai linguaggi musicali».

Valerio Daniele: Chitarre, chitarre baritone, moduli eurorack, programming, diamonica, voce.

Violino su 7 e 8: Roberta Mazzotta

Racconti dalla fine del mondo:

01. Il tempo dei giganti 

02. Così lontano 

03. Quando il gigante si sedette fece suonare il suo carillon

04. Gemme, pt. II 

05. Come coda delle comete 

06. Mani troppo grandi per un clavicembalo, pt. I 

07. Il tempo del partire 

08. Leaves, pt. II 

09. Tarantella degli svitati 

10. Canto rubato

11. Penseranno i pesci a tenere il conto dei giorni 

12. Mani troppo grandi per un clavicembalo, pt. II - to Allan 

13. 7 minuti prima dei fuochi d’artificio

http://www.desuonatori.it  

https://www.facebook.com/valerio.daniele.5  

https://valeriodaniele.bandcamp.com/album/racconti-dalla-fine-del-mondo  

Il grande concerto di Capodanno dell'Orchestra Filarmonica Campana!

Giovedì 30 dicembre a Pagani il gran finale del 2021 con il nuovo appuntamento della OFC: Luana Lombardi e Achille Del Giudice con un programma che va da Strauss alla canzone classica napoletana 

Il grande concerto di Capodanno dell'Orchestra Filarmonica Campana! 

Orchestra Filarmonica Campana 

è lieta di presentare: 

XIII Stagione concertistica OFC: L'Avvenire

Giovedì 30 dicembre 2021

ore 21.00

Teatro S. Alfonso 

piazza Sant'Alfonso De Liguori 

Pagani (SA)

CONCERTO DI CAPODANNO

Orchestra Filarmonica Campana

Soprano Luana Lombardi

Tenore Achille Del Giudice

Direttore Giulio Marazia

Programma:

Georges Bizet

Carmen, Preludio

Giacomo Puccini

La Bohème, Quanto m’en vò

Ruggero Leoncavallo

Mattinata

Johann Strauss

Zigeunerbaron Overture

Johann Strauss

Unter donner und blitz, polka schnell op. 324

Charles Gounod

Air des Bijoux

Giacomo Puccini

Tosca, E Lucevan le stelle

Johann Strauss

Perpetuum mobile, scherzo musicale op. 257

Johann Strauss

Auf der Jagd, polka op. 373

Franz Lehar

Lippen schweigen (Tace il labbro)

Ernesto De Curtis

Torna a Surriento

Luigi Denza

Funiculì Funiculà

Eduardo Di Capua

O’ Sole mio

Johann Strauss

An der schönen blauen donau, valzer op. 314

Biglieti euro 11.00

https://www.postoriservato.it/biglietti/acquista-biglietti-concerto-di-capodanno.html    

Giovedì 30 dicembre al Teatro S. Alfonso di Pagani (SA) si terrà l'ultimo appuntamento dell'anno per la XIII Stagione Concertistica della Orchestra Filarmonica Campana, intitolata "L'Avvenire". Un evento imperdibile come il concerto di Capodanno, che vedrà alla direzione Giulio Marazia in persona, con solisti il soprano Luana Lombardi e il tenore Achille Del Giudice. Sarà un'occasione importante oltre che festosa e celebrativa, per riscoprire questa straordinaria realtà musicale campana e italiana, attiva ormai da anni in Italia e all'estero. L'OFC, con la direzione artistica e musicale del maestro Marazia, procede in una intensa attività musicale, sostenuta dal Ministero della Cultura, dalla Regione Campania e dalla Città di Pagani, oltre che da sponsor privati e mecenati; dal 2021 è membro di MeD (Sistema Musica e Danza per la Campania). 

Dopo l’assenza in cartellone dello scorso anno, dovuta allo stop della musica dal vivo causa pandemia, il consueto Concerto di Capodanno giunge alla sua decima edizione ed è caratterizzato da una parte di tradizione viennese dedicata a Johann Strauss II con i suoi celebri valzer e polke che sono di buon auspicio per l’anno che verrà; dall’altra da arie d’opera, duetti e liriche conosciute da un ampio pubblico. Ormai si associano le musiche di Strauss al Capodanno, eppure non furono scritte per questa festività: erano legate per lo più a nozze, compleanni, onomastici e festeggiamenti di Corte in tutte le stagioni. Oltre ad aumentare la popolarità di queste danze in Europa, Strauss ed i suoi fratelli ebbero il merito di farle conoscere anche in America e in Russia, dove egli si recò nel 1856 e molte sue musiche furono eseguite nella reggia di Pavlovsk, presso San Pietroburgo. Nel 1876, in occasione del centenario della nascita degli Stati Uniti d’America, il compositore fu invitato a Boston dove diresse un’orchestra formata da circa ventimila elementi di fronte ad un pubblico vastissimo: una sorta di anticipazione dei concerti delle pop star. 

Il Concerto si chiude con un omaggio alla canzone classica napoletana, brani pieni di vigore e forza travolgente che scaldano gli animi e che conducono ad un finale a sorpresa che sarà svelato con un particolare saluto proprio al termine del concerto. 

Orchestra Filarmonica Campana: 

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